L’arteterapia con bambini ospedalizzati

Per il bambino malato e ospedalizzato, l’espressione artistica può fungere da sostegno o da supporto per completare le informazioni sul suo vissuto di sofferenza, così come può servire al bambino a comunicare e a partecipare alla terapia con azioni creative.
Molti bambini possono vivere la malattia come una punizione e si sentono  colpevoli di essersi ammalati; in questa situazione fisica critica possono sentirsi tristi o irritati, esausti dopo un trattamento chirurgico o di altro genere (cure oncologiche), ma anche per la lontananza dalla loro casa.
Paura, confusione, tristezza e altre emozioni forti possono causare in alcuni bambini un isolamento che rende difficile qualsiasi comunicazione.
Disegnare, colorare, potrà essere vissuto come una delle poche attività disponibili per questi bambini ed essere considerata un sollievo e una fuga dalla costante sofferenza di test medici ed interventi. 
Nel bambino l’espressione “artistica” è una sorta di sublimazione, un atto di trasformazione degli impulsi e delle emozioni in immagini. L’intervento dell’arteterapeuta, che aiuta il bambino nella sua produzione artistica, sta nell’ascolto e nell’accogliere le istanze distruttive e riparative, ma anche nel sostenere il suo processo creativo,  guidandolo  con l’insegnamento di abilità artistiche adatte al suo livello di sviluppo.

ATTIVA LA MENTE.

Arteterapia, un efficace strumento per contrastare demenza, depressione e Alzheimer

Il presupposto da cui il progetto avvia è che i trattamenti farmacologici non siano sufficienti a contrastare le malattie cronico-degenerative che colpiscono l’età senile. L’IPA – International Psycogeriatric Association, infatti, prescrive di ricorrere, in combinazione con i farmaci, a terapie non farmacologiche, quali l’Arteterapia.
ATTIVA LA MENTE è un progetto ideato nel 2019 per aiutare l’espressività degli ospiti di una RSA per anziani (per un miglioramento del livello cognitivo, motorio, mnemonico, relazionale e comunicativo), per sensibilizzare gli operatori della RSA sull’Arteterapia e sulle problematiche psicologiche e relazionali relative a demenza, depressione e Alzheimer in età anziana, per favorire un maggior coinvolgimento dei caregiver familiari e per sensibilizzare la cittadinanza nei confronti di una dementia-friendly community.
La pandemia COVID-19 ha indotto, nell’anno in corso, a prevedere specifiche attività di sostegno e assistenza, secondo modalità che ricorrono alle nuove tecnologie.
Progetto a cura del Centro Ricerche Europeo Terapia Espressiva – C.R.E.T.E. APS in collaborazione con ACPST – Associazione Culturale di Promozione Sociale Toscana, in accordo con ASP – Montedomini e Cooperativa G. Di Vittorio Onlus.

E' possibile visualizzare la rivista che raccoglie il progetto ATTIVA LA MENTE 2020

LIBERO CAFFE’ ALZHEIMER

LibriLiberi di via San Gallo a Firenze è uno spazio polifunzionale, stimolante ed accogliente: è una libreria, una casa editrice, un giardino, un teatrino, una galleria d'arte, uno spazio di studio, un caffè.
All’interno, si svolgono, due volte al mese, le attività espressive del Caffè Alzheimer, rivolte a persone con demenza.

Perché il Caffè Alzheimer?
La creazione di questo spazio, che prende avvio nel 2008, ha origine da un’idea, portata avanti dal 1997 dallo psichiatra Bere Miesen in Olanda, allo scopo di creare momenti di benessere e condivisione per combattere la solitudine, in un ambiente sicuro e protetto, con personale non ospedaliero. Si pone nel contesto di una necessità concreta, sentita fin dalla prima fase della malattia, di relazione e condivisione necessarie per rallentare il fenomeno di alienazione sociale, che si manifesta a causa della presa di coscienza dei propri problemi e della paura del giudizio degli altri.
I gruppi al Caffè sono composti da circa 7/8 anziani, più gli accompagnatori. Le persone con Alzheimer e i carer vivono l’esperienza in due ambienti distinti. Le prime possono esprimersi più liberamente e i caregiver confrontarsi con operatori geriatrici, psicologi e arteterapeuti sull’andamento delle attività e costruire un gruppo di sostegno tra persone che si trovano ad affrontare quotidianamente medesime difficoltà, preoccupazioni e dubbi. Per il caregiver è possibile ridurre il burden assistenziale (carico emotivo) e promuovere il senso di competenza nei confronti della situazione che si trova a vivere. Vengono anche organizzate giornate formative per conoscere meglio la malattia e poter affrontare le criticità che questa comporta nella vita quotidiana.

Il gruppo espressivo rivolto alle persone con demenza di Alzheimer
Il gruppo prende avvio nel 2012 con Lucilla Carucci, arteterapeuta e docente di arteterapia, e si fonda sulla proposta di unico materiale: la creta di diversi colori e grane.
L’approccio utilizzato è volto alla valorizzazione delle capacità di ognuno, alla sperimentazione, alla relazione, all’esplorazione ed espressione di sé. L’arteterapeuta crea un ambiente che favorisce e incentiva la piena libertà espressiva, aiutando ad attivare, in maniera naturale, il processo creativo personale.
Le forme in terra, realizzate dai partecipanti, permettono di vivere un processo sensoriale,  esperenziale e narrativo, nello spazio e nel tempo, capace di coinvolgere tutti i sensi, il movimento e il corpo, attraverso il materiale artistico trasformativo per eccellenza. Le forme vengono cotte alla fine del percorso annuale, valorizzando, consolidando e conservando le tracce della propria presenza, la memoria e l’identità del vissuto.

E’ rivolto a persone che vogliano avvicinare il proprio lato creativo, conoscersi meglio, esprimere un disagio relativo ad un particolare momento di vita o di tipo più generalizzato.
E’ uno spazio di prevenzione-espressione creativa o di consultazione per l’individuazione del percorso terapeutico più adatto.
La sua particolarità, rispetto ad uno sportello psicologico, consiste nel fatto di utilizzare il canale grafo-pittorico accanto alla parola.
Attraverso le immagini, è naturale esprimersi ad un livello profondo.

ARTETERAPIA: METODOLOGIA E RICERCA.

GLI ATELIER TERAPEUTICI DI ESPRESSIONE PLASTICA
Di Anne Denner, Liana Malavasi, edizione aggiornata LibriLiberi, 2016

Questo volume propone una metodologia di applicazione dell’arteterapia elaborata alla luce delle ricerche svolte in Francia da Anne Denner e dalla sua pluriennale esperienza. La collaborazione di Liana Malavasi, allieva ed erede del metodo, è servita ad integrare le esperienze arteterapeutiche che si sono sviluppate in Italia nell’arco degli ultimi trent’anni.

Questa nuova edizione è stata riproposta e aggiornata con ulteriori contributi e nuove immagini che arricchiscono il testo. Il libro si rivolge innanzitutto a futuri arteterapeuti e a coloro che hanno già adottato questa pratica, ma desterà anche l’interesse di coloro che, a vario titolo, operano nell’area psicopedagogica e all’interno dei servizi sociosanitari e di tutti coloro che, in possesso di una formazione artistica, sono interessati a sperimentare nuove esperienze e forme di collaborazione.

C.R.E.T.E. sviluppa pubblicazioni sull’arteterapia in collaborazione con la casa editrice LibriLiberi.
Nel 2018, sono nate SVIRGOLE. Quaderni di arteterapia.
La finalità dei quaderni è quella di diffondere il metodo Anne Denner di arteterapia attraverso approfondimenti teorici, esperienze di arteterapia in setting individuali e gruppali, progetti non strettamente arteterapeutici, scritti attinenti ad aree limitrofe (come filosofia, storia dell’arte, arte contemporanea…) che arricchiscano il linguaggio dell’arteterapia.
I quaderni hanno cadenza annuale e sono disponibili presso la nostra associazione.

SVIRGOLE.
QUADERNI DI ARTETERAPIA N.1
MAPPE.
Anno 2018
LibriLiberi editore

“Si tratta, per l’arteterapeuta, di nutrirsi del linguaggio dell’arte in tante sue declinazioni, quali possono essere il teatro, la danza, la letteratura, la poesia, la fotografia… Linguaggi che arricchiscono la possibilità di comprendere ed entrare in relazione con i pazienti e le loro creazioni. In questo modo, si possono aiutare gli stessi pazienti a trovare in sé nuove possibilità. Si tratta, pertanto, di una formazione che non si conclude con il triennio formativo, perché è anche culturale, legata ai linguaggi contemporanei, non pratiche intellettualistiche, ma in quanto necessari per stare nella realtà attuale. E noi arteterapeuti dobbiamo aiutare i nostri pazienti a stare in questa epoca storica e in questo ambiente.” (Ilaria Innocenti).

INDICE
Ilaria Innocenti
INTRODUZIONE
Lucilla Carucci, Tano Giuffrida
PERCHE’ UNA MOSTRA?
Giuseppe Grattacaso
RENDERE VISIBILE IL MONDO
Alessandro Fantechi, Elena Turchi
“Isole comprese teatro”
LA DIMENSIONE RI-CREATIVA DELL’ARTE
Giuseppe Grattacaso
IL DISEGNO DEL MONDO
Ilaria Innocenti
GEOGRAFIE IMMAGINATE
NOTIZIE BIOGRAFICHE

Paola Becucci ha curato l’itinerario fotografico della mostra “Mappe” (tenutasi a LibriLiberi nel 2017) che è il filo conduttore di questo quaderno.

SVRIGOLE.
QUADERNI DI ARTETERAPIA N.2
COSI’ VICINO MI BRUCI.
Anno 2019
LibriLiberi editore

“Questo quaderno raccoglie le relazioni di una piccola conferenza sull’autismo che abbiamo organizzato a C.R.E.T.E. nel novembre 2017 (…). Non è semplice parlare di qualcosa che appartiene ad un’area della vita che è prima del linguaggio e prima del simbolico (…). Questi scritti sembrano dirci che una forma di relazione esiste, invece, anche nell’autismo, una relazionalità sensoriale (…). E’ possibile entrare in contatto con queste persone se si entra con rispetto nel loro mondo, nel loro linguaggio fatto di corpo, che è quello delle forme tattili, della ritmicità, ma anche della durezza, della ruvidità…” (Ilaria Innocenti)

INDICE
Ilaria Innocenti
INTRODUZIONE
Liana Malavasi
L’USO DELLA CRETA NELL’ESPERIENZA ARCAICA
Maria Ferigutti
DIALOGHI CORPOREI
Micaela Costanzo
PELLE D’ARGILLA
Cristina Bucci
ARTE E AUTISMI: IL PROGETTO “L’ARTE RISVEGLIA L’ANIMA”
NOTIZIE BIOGRAFICHE

SVIRGOLE.
QUADERNI DI ARTETERAPIA N.3
GIROVAGHI SULLA LUNA.

Anno 2020
LibriLiberi editore

 Questo numero raccoglie le esperienze del Caffè Alzheimer di LibriLiberi, all’interno del quale, dal 2012, C.R.E.T.E. gestisce l’attività con le persone con demenza. Si tratta di un’attività, mediata da un unico materiale, la creta, che non può essere definita di arteterapia ma, come si percepisce leggendo i testi che compongono il quaderno, lo sguardo arteterapeutico restituisce una significatività e vitalità all’esperienza, forse inaspettata se si considera all’utenza cui si rivolge.
Il numero offre, inoltre, uno spaccato sulla valenza simbolica dell’argilla e del rapporto che molto naturalmente si sviluppa tra questa materia e chi la modella o semplicemente ne prende contatto.

INDICE
Ilaria Innocenti, Liana Malavasi
INTRODUZIONE 
Luca Carli Ballola
LIBERO CAFFE’ ALZHEIMER: CON LA DEMENZA VIVERE! 
Ambra Nardini
SGUARDI 
Lucilla Carucci, Ambra Nardini, Ilaria Giolli
IL PICCIONE SUL DIVANO 
Lucilla Carucci
COSE PERDUTE
Chiara Passalacqua
I PRIMI PASSI DEL SIG. G 
Annamaria Corazzari
GUARDA OLTRE IL TUO NASO
NOTIZIE BIOGRAFICHE

di Liana Malavasi

L’arteterapia coniuga l’arte con la psicologia, ma dal momento che si è affacciata sulla soglia delle attività psicoterapeutiche  ha fatto propri concetti di varie discipline quali: la psicopatologia, la psicomotricità, la psicosociologia, non trascurando quelli della filosofia, dell’estetica, e della psicologia dello spazio dell’architettura.
D’altro canto in tutta la ricerca che coinvolge l’arte plastica occorre tener conto che l’uomo ha prodotto la cultura umana mediante il rapporto tra il mondo interno  e la realtà che lo circonda.
L’arteterapia è un metodo di cura che  utilizza le tecniche grafico-pittoriche e
il modellare per favorire un’esperienza creativa che si concretizza in una forma: l’immagine. L’opera prodotta è al contempo l’oggettivazione di un materiale intimo, manifestazione di pulsioni e di passioni e il concretizzarsi di  un momento psichico.
L’esperienza dimostra che i pazienti dell’area psicopatologica ne traggono i maggiori benefici perché non solo sperimentano  la riparazione a frustrazioni arcaiche, ma diventa possibile ripristinare la funzione simbolica.
Lo sviluppo dello spazio potenziale, dove fantasia e realtà s’incontrano (Winnicott), favorisce lo sblocco del mondo immaginario che nello psicotico funziona come un sistema chiuso.
La mia esperienza come terapeuta, che si avvale dell’arteterapia come tecnica di intervento,  ebbe inizio negli anni ’80,  in modo spontaneo.
La mia antica passione per l’arte, ma anche il praticarla, disegnando e dipingendo, mi sollecitò ad utilizzare questo mezzo per comprendere pazienti gravi, perché sentivo che la comunicazione verbale che intercorreva tra me e il paziente non era sufficiente per una vera comprensione.  Farlo disegnare, fargli usare il colore mi permetteva di avere molti più elementi per comprenderlo.
Sentii l’esigenza di coadiuvare la mia formazione con una formazione in arteterapia, della quale ancora in Italia si parlava poco o niente. Vi erano alcuni laboratori che facevano un’esperienza di espressione artistica con i malati mentali, ma il collegare il termine ‘arte’ con la parola ‘terapia’ non era contemplato: erano due domini separati.
Dopo varie ricerche entrai in contatto con la Prof.ssa Anne Denner a Parigi,  e seppi che già da vari anni veniva in Italia a condurre seminari di formazione, insegnando un suo metodo.
Quando ci si appassiona a qualcosa di poco conosciuto, in questo caso per me era l’arteterapia, i giusti incontri permettono che la nostra idea si radichi e trovi sempre più spazio e forza per poterla affermare, tanto da diventare  irrinunciabile.
Un altro incontro importante fu quello con la Prof.ssa Graziella Magherini (allora era Responsabile Primario della Salute Mentale dell’ASL di Firenze Centro),  che accettò questo mio operare con l’arteterapia e mi permise di consolidarlo nel Centro psichiatrico di Borgognissanti (una struttura residenziale per giovani psicotici) prevedendo nella progettazione di questo nuovo servizio pilota nella psichiatria (1990) uno spazio denominato “atelier”, che ancora oggi è attivo ed è il mio luogo di lavoro.
E’ proprio l’atelier terapeutico di espressione plastica il luogo deputato a fare arteterapia, uno spazio che assume un ruolo importante nel quadro delle metodiche terapeutiche di cui dispone la psichiatria moderna.
L’attività che si svolge all’interno di questi milieux, che dovrebbero avere tutte le caratteristiche di veri atelier artistici, mette in luce l’espressione arcaica, proiettiva e simbolica del messaggio grafico-pittorico.
E’ qui che inizia quella comunicazione dapprima tra il paziente e il terapeuta, poi tra il soggetto e il gruppo degli altri pazienti che frequentano l’atelier. La relazione mediata dall’oggetto artistico permette progressivamente di stabilire i primi contatti per progredire verso una reale comunicazione.
L’arteterapeuta è colui che ha la funzione di favorire la relazione del paziente con la propria opera attraverso il processo di “riappropriazione”, sottolineandone l’unicità e accogliendolo in un “bagno affettivo” come ha scritto Anne Denner, sostenendolo in questa esperienza di crescita con maggiore fiducia e progettualità.
Dopo vari anni di lavoro nell’istituzione sanitaria pubblica, mi sono resa conto che metodiche innovative come l’arteterapia stentano ad avere uno spazio appropriato e le condizioni che potrebbero permetterne il  riconoscimento   molto spesso vengono meno un po’ per ignoranza, un po’ per convenienza. Queste ragioni mi hanno spinto a fondare con alcuni colleghi che avevano fatto la formazione con Anne Denner, un’associazione, denominata C.R.E.T.E. (Centro Ricerche Europeo Terapia Espressiva). Uno degli obiettivi dell’associazione è quello di formare persone in arteterapia secondo il metodo Denner, un metodo che si è formato sia dalle ricerche che aveva svolto nell’area dell’infanzia che nel campo della psichiatria, alimentando le sue ricerche e la sua esperienza con l’apporto continuo del mondo dell’arte e degli artisti. Proporre e diffondere  l’applicazione dell’arteterapia è un ulteriore obiettivo insieme alla possibilità di fare ricerca. Diversi tipi di popolazione potrebbero usufruire di questa tecnica espressiva, dall’infanzia, alla terza età, ma anche persone con patologie fisiche invalidanti, poiché come ha scritto Henri Miller : “Dipingere è amare ancora”.

Liana Malavasi

Il grande interesse che l’uomo ha verso l’arte e il posto importante che essa occupa nell’esperienza umana, è il fatto che tutta la vita penetra in essa; è per questo motivo che l’arte può diventare ragione di vita per l’uomo che la esercita e per l’uomo che la contempla.
L’interesse per l’arte nasce spontaneamente nell’uomo che in ogni sua attività giunge a “realizzare” opere e valori solo mediante un processo di produzione inventiva che mira alla “riuscita” attraverso la precarietà dei tentativi.
Una delle ragioni profonde del vivo interesse che l’uomo nutre per l’arte è il fatto che egli vede esaltata nella sua massima possibilità l’attività “formativa”. Se nell’analisi della formazione al gusto gli aspetti pedagogici si alternano a quelli estetici, siamo costretti a ricorrere al pensiero di Luigi Pareyson e al suo studio sulla teoria della “formatività”. Il concetto di “formare” indica una unione inseparabile di invenzione e produzione: “formare” significa “fare” inventando “il modo di fare”, cioè “realizzare”.
La formatività intesa come invenzione, produzione, realizzazione sta in tutta l’attività umana, ma nell’arte, la formatività si dà un contenuto, una materia, una legge.
Il contenuto è l’intera vita dell’artista, è il suo modo di comunicare ed esprimere una visione personale della realtà, una concezione della vita, un modo personalissimo di interpretare il mondo.
Nell’arte il mondo dell’artista si fa gesto del fare, modo di formare, stile, e l’opera è l’unione della realtà fisica e sensibile.
La materia è necessariamente materia fisica, perché nell’arte “formare” significa formare una materia e l’opera non è altro che materia formata.
La legge dell’arte è poi la stessa “riuscita” dell’opera, sicchè l’opera è insieme un risultato e riuscita di un processo di formazione.
Se ogni artista conferisce implicitamente una determinata funzione, un posto speciale nella scala di valori e nel complesso della vita, analogamente ogni civiltà e ogni epoca ha un suo determinato modo di considerare l’arte, assegnandole via via diversa importanza e diverse funzioni.
Possiamo vedere come l’arte abbia assunto di volta in volta un valore e un significato diversi: vista come testimone del bene assoluto, dei supremi valori del mondo, o come fine a se stessa; oppure vista come padrona del mistero dell’universo o come puro gioco, come interprete della realtà spietata e impassibile nella rappresentazione dei fatti, ora come delirio o sogno, volo della fantasia, in lotta contro il reale come pura astrazione; vista come espressione del sentimento o mera decorazione, rappresentazione dei propri elementi formali; vista come militante nelle situazioni storiche, impegnata a portare un contributo della sua potente efficacia nel cuore degli uomini o come evasione dalla vita, quale sicuro rifugio dell’anima nella contemplazione di figure fantastiche e di mondi sognati.
Tutto questo per dire che un’opera d’arte è viva e attiva se contiene in sé, in modo operante una poetica, cioè un ideale.
Se formative sono tutte le attività umane, ecco la possibilità della bellezza in ogni opera, e formativa è anche la conoscenza sensibile che coglie l’oggetto. Nel pittore figurativo ad esempio non è possibile distinguere la mano dall’occhio, né l’occhio dalla mano, cioè il modo di formare dal modo di vedere e viceversa. Col suo modo di guardare, egli ritaglia in ciò che vede la sua tela e il suo vedere è già dipingere, il suo dipingere prolunga il suo vedere.
Rivolgendosi all’oggetto che egli intende “creare”, lo fruga con lo sguardo, finchè non se ne sente in completo possesso.
Il significato inconscio di questo processo è il bisogno di dominare le cose a costo di distruggerle, ma la distruzione della realtà si fonde con la costruzione della sua immagine e scopo ultimo dell’artista è dare la più completa espressione del conflitto con l’unione dell’istinto di morte (la distruzione) e l’istinto di vita (la bellezza) (Segal).
Kris, che si occupò della psicoanalisi applicata alle arti, dice che l’artista nel proprio lavoro (si serve dell’ispirazione) è soggetto ad una regressione dell’io che però è parziale, temporanea e controllata dall’io stesso, e mantiene la funzione di stabilire un contatto col pubblico.
L’artista si identifica col suo pubblico allo scopo di sollecitare la partecipazione, questa a sua volta ha per postulato una successiva identificazione del pubblico col l’artista. Ma l’artista trasmette anche allo spettatore uno sguardo costruttivo e formativo, tanto che molti artisti insegnano a chi li contempla e li gusta non solo un modo di guardare le opere d’arte, ma anche un modo di guardare la realtà e il solo fatto di mutare il modo di vedere indica un cambiamento nella vita interiore del lettore.
Il lettore contemplando le opere d’arte entra in contatto vitale col mondo interno dell’artista che gli parla con il linguaggio comunicativo dell’arte, catturandolo e coinvolgendolo in una costellazione di sentimenti inconsci che suscitano una emozione chiamata “esperienza estetica”.
L’appagamento del senso estetico non è possibile se si vuole separare nell’opera l’anima dal corpo o il corpo dall’anima, il mondo dalla forma o la forma dal mondo, poiché sarebbe come voler separare l’opera da se stessa.

Bibliografia
Pareyson L., ESTETICA, Tascabili Bompiani Saggi, 1991
Kris E., RICERCHE PSICANALITICHE SULL’ARTE, Einaudi Editore, 1977

estratto dalla tesi di Eleonora Nesi

Nell’arco di due anni 2017 - 2019 ho realizzato il mio tirocinio in arteterapia in un centro di assistenza e supporto per malati di cancro e loro familiari in Irlanda.
Il focus è stato quello di accogliere tutte le persone, non come pazienti, caregivers o sopravvissuti, bensì come singoli individui con la loro voglia di esprimersi e di essere creativi. Persone con un carattere dalle mille sfumature e una fisicità in cambiamento, che, sì, convivono con una malattia terminale quale il cancro, ma che non sono sopraffatte o annullate da essa. Ovviamente le varie situazioni personali non sono state dimenticate o ignorate, tuttavia il protagonista nell’Atelier non è stato il cancro o la malattia, lo sono state l’arte e la sua capacità di interrogarci attraverso la resilienza dei materiali e dei colori. Riaprire la porta alla creatività insita in ognuno di noi, e a volte dimenticata per lungo tempo, ci ha aiutato ad apprezzare tratti del carattere e aspetti di sé che erano stati messi in ombra o evitati.
Dopo aver completato quattro diversi percorsi di arteterapia di gruppo ed analizzato il progetto di ogni persona, sono emerse delle somiglianze comuni a tutti i partecipanti.
Di seguito, ne descriverò alcune tra le più significative.

BILINGUISMO E ACCOGLIENZA 
Prima di iniziare il tirocinio, la mia insicurezza ha fatto da padrona nella mia mente. Pensare di dover gestire un gruppo di persone utilizzando una lingua che non era la mia, parlando di situazioni complesse, di emozioni e sentimenti così profondi, mi ha terrorizzato. Potevo scegliere una situazione molto più semplice per completare il mio percorso di arteterapia, ma ho scelto di proseguire con i pazienti oncologici e i loro familiari.
Quello che pensavo sarebbe stato un ostacolo, la diversa lingua, si è rivelato un valore aggiunto: le mie parole semplici hanno spronato i partecipanti ad andare al cuore della questione, senza tante frivolezze o ghirigori che a volte distolgono l’attenzione dal vero significato.
Mi hanno chiesto più volte come si traducesse una certa parola o una frase in italiano e l’abbiamo ripetuta insieme a voce alta, come le maestre con i bambini piccoli, li ho guidati sillaba dopo sillaba. Il diverso, l’estraneo dopo qualche seduta è stato spesso utilizzato per dire cose che altrimenti sarebbero state troppo difficili da esprimere attraverso il proprio bagaglio linguistico.
La propria lingua madre è importantissima e si chiama così perché ci ricorda da dove veniamo, la nostra storia, il nostro vissuto positivo e negativo. L’abbiamo sentita per la prima volta quando ancora eravamo in grembo ed appena nati siamo stati accolti da voci e parole. Le frasi hanno nutrito le nostre relazioni ed il nostro vocabolario si è arricchito mano a mano che crescevamo. Il linguaggio fa parte del nostro bagaglio culturale e lo portiamo sempre con noi.
Quando si impara una lingua nuova si entra in contatto con una nuova ‘famiglia’, si torna a balbettare e sillabare come bimbi, ogni parola è un gioco di suoni e diventa leggera perché mai detta prima. Parole onnipresenti nel quotidiano di un paziente oncologico, come ‘health’, dette in una lingua sconosciuta, ‘salute’, hanno un suono nuovo e un tono misterioso, la voce quasi cambia e così anche la prospettiva.
Quando viviamo delle situazioni complesse, l’espressione attraverso la parola può essere difficile e il nostro bagaglio linguistico può sembrare insostenibile; ho visto che prendere in prestito da un’altra lingua modi di dire o suoni può aiutare ad esprimersi con più disinvoltura.
Soprattutto con le persone con cui ho instaurato un rapporto terapeutico più forte, c’è stato uno scambio di questo genere. Le parole italiane inserite nei lavori hanno quindi assunto un valore simbolico quanto le immagini. Inoltre sono stati dati dei titoli in italiano a delle opere che hanno avuto un notevole impatto: i pazienti hanno utilizzato le parole imparate e le hanno integrate nel loro percorso, facendomi simbolicamente entrare nelle loro opere. Mi hanno letteralmente invitata nei loro lavori, nel loro mondo, e siamo così riusciti a costruire qualcosa insieme, che spero li abbia aiutati ad armonizzare quello che avevano dentro di sé ed il mondo fuori dall’atelier.

L’ACQUERELLO E IL VERDE
Oltre alle differenze linguistiche, un altro elemento di cui ho dovuto tenere conto è stato il bagaglio figurativo dei partecipanti, che sicuramente è molto diverso dal mio. Come la lingua madre, la terra d’origine influenza come vediamo il mondo, e ci fornisce un parametro interiore di confronto che ci accompagna dalla nascita ed è con noi quando scopriamo ed esploriamo. Quello di cui l’occhio si nutre tutti i giorni, è quello che la mano traccia e la mente rielabora durante il processo creativo. Nata e cresciuta in Toscana, le colline, il sole tiepido, il terriccio polveroso, il rumore dei sassolini tra le ruote della bici, sono tutte immagini familiari ai miei sensi. Una persona nata su un’isola circondata dall’oceano, piovosa, con determinati colori e con una storia intricata, avrà sicuramente un occhio diverso dal mio. Anche la luce è completamente diversa da quella italiana, e di conseguenza lo sono anche i colori e la loro consistenza.
Un esempio è il lavoro di Ellis. Ellis aveva 8 anni quando è venuto nel nostro Atelier per accompagnare la zia Aline, la quale era sopravvissuta al cancro qualche anno prima. Quando Ellis ha terminato il suo lavoro, di cui è andato fierissimo, gli ho fatto qualche domanda sulla sua opera: il cielo rappresentato era sereno, con delle nuvole bianche, ma non era presente il sole, quindi quando ho chiesto ad Ellis dove fosse, lui mi ha semplicemente risposto che era dietro alle nuvole, come sempre. Effettivamente quello che aveva rappresentato era quello che vedeva in un tipico giorno sereno in Irlanda: cielo blu con splendide nuvole bianche che nascondono il timido sole, rivelato solo a tratti.
Un elemento invece sempre presente in Irlanda è l’acqua: l’oceano, i fiumi, la pioggia, l’umidità. Tutto questo ha influenzato i vari lavori e l’acquerello è stato uno dei materiali più utilizzati nell’Atelier.
L’occhio avvezzo all’acqua ha trovato familiarità negli acquerelli e nelle matite acquerellabili. Ho cercato di fornire un’ampia scelta di colori, di una buona qualità e carta da acquerello. L’acquerello è un materiale riflessivo, uno specchio della realtà, come lo descrive il pittore Corpora: “Ho amato molto l’acquerello… perché si scrive nell’acqua, il colore nasce dall’acqua, la luce nasce dall’acqua, le emozioni, i pensieri, le immagini appaiono come un miraggio nell’acqua. L’acquerello perché è l’anima a nudo, l’acqua come inesorabile specchio della verità.”
A Cork, soprattutto in autunno e in inverno, la pioggia è così fitta e fine da impregnare l’aria per giorni e, da sotto l’ombrello, si intravedono paesaggi di forme definite dall’accostamento di sfumature e forme: gli edifici si specchiano nelle piccole pozzanghere sui marciapiedi e di notte i lampioni trovano le loro luci gemelle riflesse nel fiume che circonda la città.
Questi giochi di riflessi e specchi sono sempre presenti in Irlanda ed era inevitabile non trovali anche nel nostro Atelier.
Altra caratteristica è l’onnipresenza del colore verde, come conseguenza di un ambiente costantemente e naturalmente irrigato. I paesaggi sono sempre dominati dal caratteristico colore smeraldo durante le quattro stagioni: le dolci colline, le spiagge melmose e le inospitali rocce delle scogliere accolgono diverse sfumature di verde. È ormai diventato il colore nazionale, il simbolo cromatico del loro patrono che rappresenta l’attaccamento degli irlandesi alla loro natura. Anche se lo storico colore nazionale è il “San Patrick Blu”, oggigiorno il colore associato all’Irlanda è il verde, anche per via del suo soprannome “Isola Smeralda”, del trifoglio e ovviamente dei numerosi paesaggi.

ALCUNI SCORCI SUI PERCORSI DI ARTETERAPIA
MARGOT_ Quando Margot ha iniziato a dipingere era molto insicura e ha chiesto subito alle altre di non ridere del suo dipinto, ma lo ha detto bonariamente, sorridendo di se stessa.
Ho fatto riferimento più volte al nostro obiettivo principale di focalizzarsi sul processo e sul momento creativo, senza pregiudizio. Non c’era soggetto, né materiale giusto o sbagliato, l’importante era la partecipazione attiva della mente e del gusto estetico, che avrebbero guidato istintivamente l’atto creativo. A costo di sembrare ripetitiva ho messo l’accento sul non giudizio dei loro lavori, volevo che le partecipanti fossero protette e sicure nella produzione di un lavoro ‘sincero’, più che tecnicamente perfetto.
Mentre stava dipingendo le ho chiesto come andasse e lei mi ha spiegato che stava cercando di creare degli strati, come una protezione, una coperta. Quando abbiamo parlato dei colori, mi ha detto che le piacevano perché brillanti ed allegri, pieni di voglia di vivere. Ha voluto rappresentare un nuovo inizio e una nuova vita. Poi ha guardato con attenzione il suo lavoro e ha detto scherzando “Sono proprio patriottica, verde bianco e arancione… no è rosso! allora è la bandiera italiana… beh questo è il mio modo per accoglierti nel nostro gruppo” con una battuta, dopo aver espresso un suo desiderio forte ed intimo di vivere, mi ha incluso nel suo privato.
Sono rimasta sorpresa dalla profondità di quello che avevamo scoperto insieme fin dal primo incontro: un desiderio viscerale di gioia e vita rappresentato dai suoi colori sgargianti, e dai due fiori di uguale misura, che sembravano avanzare insieme di pari passo, quasi volessero farsi compagnia in un lungo viaggio.
Dopo la dichiarazione di questo desiderio, si è presentata indicandomi un aspetto di sé identitario, l’appartenenza alla sua terra irlandese definendosi patriottica. Mi ha poi inclusa nella sua presentazione attraverso la somiglianza, la fratellanza dei colori della sua bandiera irlandese e della mia italiana, fondendo così due paesi e persone così diverse tra loro ma allo stesso tempo vicine. Ho accettato molto volentieri il suo invito ad entrare nel suo mondo, la sua stretta di mano fatta di colori, e abbiamo così iniziato il nostro percorso insieme.

KATY_ Dalla finestra dell’Atelier, Katy ha visto la torre delle “Shandon Bells” con quattro orologi, uno per ogni facciata. L’orologio è stato eretto dalla Cork Corporation nel 1847 e gli è stato affibbiato il nome di “the four faced liar” dalla gente del luogo: gli orologi non sono mai stati sincronizzati e su ognuno si legge sempre un orario diverso. Questo è stato il primo esempio di orologio a quattro facce, fino alla costruzione del Big Bang di Londra. Katy ci ha tenuto a farmi sapere la storia di questo edificio, “A bit of history for you”, mi ha detto soddisfatta. Spiegando la storia della sua città, mi voleva partecipe di quello che stava creando con le sue mani. Mi voleva includere in un percorso che illustrava la sua accettazione e preparazione non solo della chiusura del nostro percorso creativo, ma anche di qualcosa di più grande e significativo quale la sua esistenza.
Quel giorno avevo portato delle immagini di Salvador Dalí, volevo dare un input che potesse tirare fuori una riflessione, un’elaborazione sul Tempo, un’ansia che percepiamo tutti, soprattutto chi ne sente, vive e respira la fine. In più Katy stava per partire per la Spagna, non c’era occasione migliore per presentarle un artista catalano.
“E il giorno in cui decisi di dipingere orologi, li dipinsi molli. Accadde una sera che mi sentivo stanco e avevo un leggero mal di testa, il che mi succede alquanto raramente. Volevamo andare al cinema con alcuni amici e invece, all'ultimo momento, io decisi di rimanere a casa. Gala, però, uscì ugualmente mentre io pensavo di andare subito a letto. A completamento della cena avevamo mangiato un camembert molto forte e, dopo che tutti se ne furono andati, io rimasi a lungo seduto a tavola, a meditare sul problema filosofico dell'ipermollezza posto da quel formaggio. Mi alzai, andai nel mio atelier, com'è mia abitudine, accesi la luce per gettare un ultimo sguardo sul dipinto cui stavo lavorando. Il quadro rappresentava una veduta di Port Lligat; gli scogli giacevano in una luce arborea, trasparente, malinconica e, in primo piano, si vedeva un ulivo dai rami tagliati e privi di foglie. Sapevo che l’atmosfera che mi era riuscito di creare in quel dipinto doveva servire come sfondo a un’idea, ma non sapevo ancora minimamente quale sarebbe stata. Stavo già per spegnere la luce, quando d’un tratto, vidi la soluzione. Vidi due orologi molli uno dei quali pendeva miserevolmente dal ramo dell’ulivo. Nonostante il mal di testa fosse ora tanto intenso da tormentarmi, preparai febbrilmente la tavolozza e mi misi al lavoro. Quando, due ore dopo, Gala tornò dal cinema, il quadro, che sarebbe diventato uno dei più famosi, era terminato”.

Abbiamo letto come Dalí realizzò il quadro, ero convinta che a Katy sarebbe piaciuta la sua ironia surreale e così potevamo parlare del tempo usando la chiave della leggerezza.
Dalí ci ha dato uno spunto per una riflessione a tratti dolorosa sulla caducità del nostro tempo a disposizione, che si liquefà al passare delle ore del giorno fino all’arrivo della notte. Leggendo poi il titolo però abbiamo svelato un elemento di rassicurazione e continuità ‘La persistenza della memoria’: Dalí ci da’ speranza nei ricordi ormai passati, che hanno segnato tracce indelebili nel cuore di chi ricorda e porta con sé un pezzo di memoria.
A partire da questa nota leggera, Katy è riuscita a raffigurare e a parlare di un tema che le pesava e la angosciava.
“Il tempo si prende gioco di noi, ci fa degli scherzi e molto spesso ci mente. Va veloce, troppo, sembra ieri che è iniziato tutto. Dobbiamo trarre il meglio da tutto questo. Godere di ciò che abbiamo ora e di ciò che abbiamo avuto in passato. Tutto il resto non conta.” Mi parlava guardandomi negli occhi con un po’ di lacrime, ma anche con un sorriso sincero, non di rassegnazione ma di saggezza. Penso di non potermi mai scordare questo momento. La persistenza della memoria.
E poi ha aggiunto: “Time flies”, indicando la mosca sul dipinto di Dalí, ritornando alla sua ironia, chiave e difesa della sua anima (l’espressione «time flies», l'equivalente inglese di «il tempo vola», impiega il sostantivo time - tempo e il verbo to fly - volare; fly, tuttavia, è anche l'inglese per mosca).

BIBLIOGRAFIA
Corpora A., Intervista sulla rivista “Ars”, n. 2, novembre 1999
Nicosia F., Dalì in: Vita d'artista, Giunti Editore, 2002